Contenu
- Augusta Savage - Sculpteur
- Gordon Parks - Photographe, réalisateur
- Jacob Lawrence - Peintre
- Lorna Simpson - Photographe
- Kara Walker - peintre, silhouettiste, artiste
- E. Simms Campbell - Illustrateur
- Horace Pippin - Peintre
Né en 1886 dans le Massachusetts, James Van Der Zee se rendait à Harlem, à New York, en tant que photographe renommé, capturant la vie de famille noire de la classe moyenne à la Renaissance de Harlem dans les années 20 et 30, comme aucun autre photographe avant lui.
Prenant la plupart du temps des portraits d'intérieur dans un environnement de studio commercial, Van Der Zee a servi ses concitoyens résidents en les photographiant pour des mariages, ainsi que des portraits d'équipe, de famille et funéraires. Il a également photographié des personnalités noires telles que Bill "Bojangles" Robinson, Florence Mills, Marcus Garvey et Adam Clayton Powell Jr.
Après avoir connu des difficultés financières à partir des années 1950 environ, Van Der Zee connut une deuxième vague de popularité lorsque le Metropolitan Museum of Art accueillit une exposition photographique, Harlem dans mon esprit, qui a présenté ses œuvres. Finalement, il se releva et redevint un photographe très sollicité, collaborant notamment avec Jean-Michel Basquiat, Cicely Tyson et Lou Rawls.
Avant sa mort en 1983, Van Der Zee a créé son propre institut et a été récompensé du Living Legacy Award par le président Jimmy Carter.
Augusta Savage - Sculpteur
Quand Augusta Savage était petite, elle utilisait l'argile trouvée naturellement dans sa maison natale de Green Cove Springs, en Floride, pour façonner de petites figurines. Malgré le fait que son père l'a battue pour l'empêcher de sculpter, Savage a continué à chercher son bonheur et, en 1915, elle a remporté un prix pour ses sculptures à une foire du comté. Encouragé par le surintendant de la foire à étudier l'art, Savage continua à travailler sur son rêve.
Savage a déménagé à New York dans les années 1920 et a étudié l'art à Cooper Union. Ayant excellé dans ses études, elle a obtenu son diplôme tôt et a postulé pour un programme d’été en France; Cependant, elle a découvert qu'elle était rejetée pour être noire. Elle s'est opposée à la décision du comité en contactant les journaux locaux pour faire la lumière sur la discrimination. Malgré ses protestations, elle n'a pas été autorisée à participer au programme d'été.
Mais Savage aurait finalement le dernier mot. Les opportunités ont commencé à s'ouvrir et elle est rapidement devenue l'un des artistes les plus en vue de la Renaissance de Harlem. Ses bustes de Marcus Garvey, W.E.B. Du Bois et une en partie sur son neveu, qu'elle a intitulé Gamin, amélioré sa réputation. Elle gagnerait plusieurs bourses dans les années à venir, ce qui lui a finalement permis d'étudier et de voyager à l'étranger. Parmi ses autres œuvres qui définissent sa carrière, citons sa hauteur de 16 pieds La harpe, qui a été présenté à l'Exposition universelle de New York en 1939, et Le pugiliste en 1942.
Savage a passé le reste de sa carrière à redonner à sa communauté: elle a activement soutenu la prochaine génération d’artistes noirs et a été reconnue pour avoir fondé l’Association nationale des femmes peintres et sculpteuses, la Guilde des artistes de Harlem, et pour avoir été directrice de la WPA. Centre communautaire de Harlem.
Gordon Parks - Photographe, réalisateur
En 1912, Gordon Parks est né dans une ville pauvre et isolée du Kansas. Après avoir parcouru un magazine et vu des photos de travailleurs migrants, Parks a acheté son propre appareil photo à l'âge de 25 ans. À ce qu'il savait, il deviendrait le photographe noir autodidacte le plus prolifique de son temps et ses talents s'étendraient à l'écriture, la composition et réalisation de films.
Après avoir capturé des images de la vie dans les quartiers déshérités de Chicago, Parks obtint en 1941 une bourse parrainée par la Farm Security Administration (FSA), qui documentait les conditions sociales en Amérique. Il y a produit certaines de ses œuvres les plus durables, décrivant comment le racisme a affecté les problèmes sociaux et économiques. À peu près à la même époque, il a commencé à travailler à la pige pour Vogue, entrant dans le monde de la photographie glamour et produisant un style distinctif de poses de modèles et de vêtements orientés vers l’action.
En 1948, l’essai photographique de Parks sur la vie d’un chef de gang à Harlem le conduisit à un poste de LA VIE magazine, le périodique photographique par excellence dans le pays. Au cours des 20 prochaines années, il a capturé une gamme d’images dans une multitude de genres, y compris des portraits de célébrités des militants des droits civils Muhammad Ali, Malcolm X et Stokely Carmichael.
Mais Parks ne souhaitait pas limiter ses talents. il étendit son objectif à Hollywood et devint le premier réalisateur noir d'un grand film, L'arbre d'apprentissage (1969), une adaptation de son autobiographie qu'il a écrite en 1962. Son prochain film, Arbre, devient l’un des plus grands succès de 1971 et lance ce que l’on appelle les films de blaxploitation.
Jacob Lawrence - Peintre
Jacob Lawrence a grandi à Harlem et a grandi en fréquentant des musées et en participant à des ateliers d'art. En 1937, il s'inscrivit à l'American Artists School de New York pour étudier et, au moment de l'obtention de son diplôme, avait déjà créé son propre style de modernisme personnel, décrivant la vie des Afro-Américains de couleurs vives. À 25 ans, il est devenu célèbre à l'échelle nationale pour son Série de migration (1941) et après avoir servi dans la Seconde Guerre mondiale, produit le Série de guerre (1946), s'imposant ainsi comme le peintre noir le plus célèbre du XXe siècle.
Après avoir souffert d’une période de dépression à la fin des années 1940, Lawrence s’est tourné vers l’enseignement et a accepté un poste à l’Université de Washington, où il enseignera pendant 15 ans. Il a également passé son temps à travailler sur des tableaux de commande et à contribuer à des œuvres à but non lucratif telles que le Fonds de défense des enfants et le NAACP.
Lorna Simpson - Photographe
Née à Brooklyn, New York, Lorna Simpson est une photographe connue pour explorer des questions relatives à la race, la culture, le sexe, l'identité et la mémoire, en utilisant souvent des femmes noires comme sujets de son art.
Après avoir obtenu un baccalauréat en photographie de la School of Visual Arts de New York et une maîtrise en beaux-arts de l'Université de Californie à San Diego, Simpson a construit sa carrière au milieu des années 1980 avec sa grande "conceptuelle photo" (superposée sur images de portrait) Dans les années 90, elle a commencé à incorporer des images multi-panneaux sur des thèmes de rencontres sexuelles en public et est devenue la première femme noire à être présentée à la Biennale de Venise.
Au début du nouveau millénaire, Simpson s'est tournée vers les installations vidéo pour s'exprimer d'une manière nouvelle et rafraîchissante. En plus de ses œuvres présentées dans des galeries et des musées du monde entier, le Whitney Museum de New York a organisé une rétrospective de son travail pour une période de 20 ans en 2007. Depuis, Simpson a collaboré avec le rappeur Common pour créer sa couverture d'album 2016. pour Black America Againet l'année suivante a travaillé avec Vogue sur une série de portraits mettant en valeur les femmes professionnelles et leur passion pour l'art.
Kara Walker - peintre, silhouettiste, artiste
Fascinée par l'histoire des Noirs, les stéréotypes de genre et l'identité, Kara Walker a toujours su qu'elle serait une artiste, mais elle ne connaissait pas la controverse que cela apporterait.
Après avoir obtenu son diplôme de la Rhode Island School of Design en 1994, Walker a commencé sa carrière en utilisant le thème de l'esclavage noir exprimé à travers des images violentes. Sa fresque murale en papier noir Gone: Un roman historique d'une guerre civile telle qu'elle s'est déroulée entre les cuisses sombres d'une jeune négresse et son cœur était un coup instantané. À l'âge de 27 ans, elle est devenue l'une des plus jeunes récipiendaires de la "bourse de génie" de la Fondation John D. et Catherine T. MacArthur. En 2007, TEMPS Le magazine l'a incluse dans sa liste "Time 100" pour son approche subversive et moqueuse de la race et du racisme dans son art.
Alors que de nombreuses institutions du monde entier ont été ravies d'exposer son travail, Walker a rencontré sa juste part de critiques qui interprètent ses créations comme des stéréotypes noirs. Certains artistes noirs ont protesté contre son travail, tandis que d'autres l'ont dénoncée publiquement comme une proie envers la communauté blanche. Néanmoins, la notoriété de Walker n'a pas empêché sa carrière. En plus de produire divers travaux de commande, elle a beaucoup enseigné à l'Université Columbia et en 2015, elle a commencé à occuper la chaire Tepper en arts visuels à l'Université Rutgers.
E. Simms Campbell - Illustrateur
Né à St. Louis, Missouri, E. Simms Campbell deviendrait le premier illustrateur sous-traité afro-américain du pays. Après avoir étudié au Lewis Institute, à l'Université de Chicago et à l'Art Institute, Campbell a continué à perfectionner son art. Il a suivi des cours d'art et de design tout en conciliant de petits boulots.
Après avoir travaillé dans un studio d'art à St. Louis et dans une agence de publicité à New York, Campbell a illustré le livre pour enfants de Langston Hughes et Arna Bontemps, Popo et Fifina: les enfants d'Haïti. Sa prétention à la renommée, cependant, a commencé en 1933 quand il est devenu illustrateur résident à Écuyer, où il passa les deux prochaines décennies et plus à façonner la marque. Il était connu pour ses dessins de personnages de classe supérieure blancs et de mannequins pin-up, créant le personnage Esky (la mascotte aux yeux bombés du magazine), et sa bande dessinée de bandes dessinées "Cuties".
Horace Pippin - Peintre
Né en 1888 en Pennsylvanie, Horace Pippin était un peintre autodidacte, connu pour ses descriptions de l'expérience des noirs - allant de l'esclavage à l'abolition de la ségrégation - ainsi que pour ses images et paysages religieux.
Pippin a montré une promesse artistique tôt dans sa jeunesse, mais lorsque la Première Guerre mondiale a appelé, l'orientation de sa vie a été temporairement bloquée: une blessure par balle sur le champ de bataille l'a empêché d'utiliser son bras droit. À l'aide d'un tisonnier pour élever son bras, Pippin s'est enseigné à nouveau à dessiner et à peindre, en produisant des dizaines d'œuvres d'art populaire.
En 1938, ses œuvres sont exposées au Museum of Modern Art. Avec plusieurs autoportraits, Pippin a été distingué pour ses peintures de genre comme Joueurs Domino (1943) et Harmoniser (1944), ainsi que des scènes bibliques comme Christ et la femme de Samarie (1940). Sa vie et ses œuvres ont été conservées dans diverses institutions d'art telles que le Metropolitan Museum of Art, l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie et la Smithsonian Institution.