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Nous revisitons les stars les plus mémorables du petit écran de la décennie.Alan Alda (né Alphonso Joseph D’Abruzzo) a eu une carrière remarquable. Bien qu'il ne soit jamais passé inaperçu, son interprétation du capitaine Benjamin Franklin «Hawkeye» Pierce dans la comédie des années 1970 PURÉE C’est le rôle qui a eu le plus d’influence sur la culture populaire. En l'honneur de son anniversaire et de sa contribution capitale à l'histoire de la télévision, nous examinons Alda et six autres stars qui ont capturé cette époque de la télévision des années 1970. Dans une décennie qui a fait place à la fois les anges de Charlie et Maude, ces stars ont contribué à façonner le paysage télévisuel au cours de cette période tumultueuse de la culture américaine, alors que les valeurs des années 1960 s'insinuaient dans la culture dominante.
ALAN ALDA
Connu dans les années 70 pour: PURÉE
Comment il a eu le boulot: Alors qu’il montrait ses talents de comédien dans les films et le théâtre, c’était ses apparitions fréquentes dans des jeux télévisés comme Dire la vérité et WQu'est-ce que ma ligne? cela le rendit assez amical pour la télévision pour être approché par les créateurs de séries Gene Reynolds et Larry Gelbart.
Alan Alda a grandi dans le show business. Son père Robert était un acteur établi, ayant joué dans des films comme Rhapsody in Blue, mais durant son enfance, Alan participait à des tournées de spectacles burlesques, entraînant avec lui sa famille et mettant le jeune Alan dans l'acte et les séances de photos chaque fois que cela lui servait le mieux. Malgré ou en raison de son passé, Alda a suivi son père dans le secteur du divertissement. Il tournait un film à la prison d'État d'Utah lorsque le script du film PURÉE Le pilote vint à sa rencontre et il fut abasourdi: c’était le meilleur scénario qu’il ait jamais lu.
PURÉE changé de télévision. La tragédie et la comédie étaient jusque-là inédites, remplies d’esprit, d’intelligence et de compassion. Alda a commencé comme interprète, est rapidement devenue la star, puis a écrit et réalisé certains des épisodes les plus mémorables de la série. (Il était tellement excité la première fois qu’il remportait un prix pour l’écriture d’Emmy qu’il avait fait une roue après l’annonce de son nom.) Il a été la première personne dans l’histoire de la télévision à remporter un Emmys pour avoir joué, écrit et dirigé la même série. et co-écrit le dernier épisode de la série, Au revoir adieu et Amen, regardé par un nombre record de téléspectateurs, un record qui n'a pas encore été battu. PURÉE a duré 11 saisons et a duré plus de trois fois plus longtemps que la guerre de Corée.
Hors de l'écran, Alda a embrassé les années 70, devenant l'une des voix masculines les plus en vue du féminisme de la décennie. Non seulement était-il un militant actif pour l'ERA (qui n'a jamais passé), il a également fait la couverture de Mme Magazine et a écrit un essai à leur intention, inventant l'expression «intoxication à la testostérone», pour parler de l'attitude masculine prédominante à l'égard de la violence, des femmes et de la concurrence. Il a également participé à l'émission spéciale et au disque de Marlo Thomas. Libre d'être. . . Vous et moi, qui a décrié la mentalité de «dames d’abord», a rassuré les garçons sur le fait qu’il était acceptable de posséder une poupée et a dit à tout le monde qu’il était acceptable de pleurer, avec une chanson chantée par la superstar du football Rosey Grier.
Alda n’était pas la seule vedette d’une émission défiant les stéréotypes. En 1970, Le spectacle de Mary Tyler Moore a frappé CBS, présentant sa star comme étant ni une épouse, ni une mère, ni une secrétaire, ni une fille désespérée pour un mariage.
MARY TYLER MOORE
Connu dans les années 70 pour: Le spectacle de Mary Tyler Moore
Comment elle a eu le boulot: Elle a conquis le public comme Laura Petrie sur Le Dick Van Dyke Show, gagnant assez d’influence pour présenter les réseaux de sa propre émission (avec son mari Grant Tinker).
La minute Le Dick Van Dyke ShoLors de son audition, le créateur Carl Reiner a entendu Mary Tyler Moore lire la première ligne du scénario. Il savait qu’il avait trouvé la bonne actrice et l’a fait entrer dans le bureau du producteur Sheldon Leonard, la main sur la tête. Il l'appela plus tard «Grace Kelly des comédiens». Elle devint une star.
Quand Le spectacle de Mary Tyler Moore Lancée en 1970, Mary Richards était censée divorcer, mais le réseau craignait que les gens pensent qu'elle était divorcée de Rob Petrie. Elle a donc changé le scénario de sorte qu'elle venait de mettre fin à une relation et de se lancer seule. La scène a peut-être été préparée pour une femme à la recherche d’une carrière plusieurs années plus tôt avec Marlo Thomas Cette fille, mais c’est Mary qui a poussé le projet au niveau supérieur, en construisant une carrière, en fréquentant plusieurs hommes, et même (à bout de souffle) en refusant une demande en mariage parce que ce n’était pas la vie qu’elle voulait encore.
En coulisse, la série dépassait d'autres frontières. Les rédacteurs, dirigés par les créateurs James L. Brooks et Allan Burns, comptaient plus d’écrivaines que toute autre émission à la télévision. Ils ont également parlé de sujets que vous n'aviez pas vus dans d'autres émissions: le racisme quotidien (à la fois contre les Juifs et les Afro-Américains), le sexisme (comme Mary se lassait d'être appelée "la seule dirigeante" de WJM), le contrôle des naissances (Mary admet qu'elle fait partie du groupe). homosexualité (quand Phyllis est soulagée de découvrir le gay de son frère parce que cela signifie qu'il ne sort pas avec Rhoda.)
La série avait une distribution d'ensemble incroyable, mais Mary était toujours au centre, et Mary Tyler Moore avait le pouvoir de star et l'appel personnel pour réussir. Les scripts étaient intelligents et amusants, la distribution adorait travailler ensemble et c’était l’alchimie à son meilleur. La série a remporté 39 Emmys en sept saisons de diffusion et a permis la création de trois spin-offs, de deux émissions spéciales pour la réunion et de légions de jeunes femmes (cet écrivain inclus) portant leurs premières initiales sur leurs murs.
Les téléspectateurs ont vu Mary évoluer, apprendre à se défendre, progresser dans sa carrière, organiser de mauvais dîners et nous offrir un héros féministe qui franchissait les frontières et s'amusait en même temps. La société de Mary Tyler Moore, MTM Enterprises, a produit des succès télévisés pendant des années, notamment Le spectacle de Bob Newhart, WKRP à Cincinnati, L'ombre blanche, Saint-ailleurs, et Hill Street Blues, faisant de Moore une puissance dans l'industrie ainsi qu'un interprète bien-aimé.
Et maintenant, revenez au bas de la médaille féministe: tournez la molette sur ABC, où la tendance la plus fulgurante était un trio de femmes détectives, tirées de leurs emplois banals pour classer et diriger le trafic dans des vies fascinantes de résolution de crimes. L'émission faisait partie du phénomène de «télé-émulation» célébré par les téléspectateurs et méprisé par la critique, et personne ne l'incarne plus que la star 'Farrah Fawcett.
FARRAH FAWCETT
Connu dans les années 70 pour: les anges de Charlie
Comment elle a eu le boulot: Son apparition dans le film Logan's Run, une affiche de pin-up et une partie de tennis régulière avec Aaron Spelling.
Fawcett avait traversé des publicités d'une beauté naturelle avec un sourire éclatant. Elle avait des regards qui bloquaient la circulation, de superbes cheveux déchaînés et attirait l'attention partout où elle allait. Elle avait fait le tour des apparitions à la télévision comme La famille des perdrix, La nonne volante, et, Je rêve de Jeannie et quatre apparitions sur L'homme de six millions de dollars, qui a joué son mari à l'époque Lee Majors. Mais c'était quelque chose d'aussi simple qu'une affiche de pin-up qui l'a propulsée dans un nouveau niveau de gloire.
Tout le monde connaît cette affiche. Farrah Fawcett regarde droit dans la caméra, vêtue d’un maillot de bain rouge qui la recouvre et ne la couvre pas en même temps. Le costume était en fait le sien; ils voulaient qu’elle porte un bikini, mais elle n’en possédait pas, et personne ne s’est plaint en sortant de cette célèbre pièce. Fawcett s'est maquillée et coiffée pour cette séance photo, sans miroir et en pressant un peu de jus de citron dans ses cheveux pour plus de brillance. Elle contrôlait complètement son apparence, et c’est elle qui avait choisi le cliché qui ferait de ce qui allait devenir et resterait l’affiche la plus vendue de tous les temps.
Après cela, elle a été un shoo-in pour Les anges de Charlie, co-vedette avec Kate Jackson (qui avait été le premier) et Jaclyn Smith. Les hommes et les femmes regardaient les intrigues incroyablement amusantes, les changements constants de garde-robe et la satisfaction de voir trois femmes remporter le match à chaque fois qu'elles jouaient. Tandis que les critiques se moquaient des tenues révélatrices et du facteur évident de T & A de la série, d’autres la percevaient comme une libération sexuelle sous contrôle féminin. Fawcett elle-même était sur la clôture en disant: "Quand le spectacle était le numéro trois, j'ai pensé que c'était notre rôle d'acteur. Lorsqu'il est devenu numéro un, j'ai décidé que cela ne pouvait être que parce qu'aucun d'entre nous ne portait de soutien-gorge." Mais la critique sociale Camille Paglia, qui n’a pas peur des mots, a qualifié le spectacle d ’" aventure effervescente montrant des femmes intelligentes et audacieuses travaillant côte à côte dans une collaboration fructueuse ".
Farrah est devenu Les anges de Charlie première étoile de discussion, et a été le premier à quitter le spectacle. Elle a rompu son contrat et sa carrière en a souffert. Elle a dû faire six apparitions dans l'émission pour compenser cela, mais il a fallu des années avant de pouvoir redevenir actrice et enfin obtenir la reconnaissance de son travail dans la pièce Off-Broadway. Extrémités, le téléfilm Le lit brûlantet le long métrage de Robert Duvall L'apôtre.
Fawcett est décédé en 2009, le même jour que Michael Jackson. On se souvient encore d'elle comme étant la quintessence de la fille des années 70, avec une coiffure copiée longtemps dans la décennie suivante.
Elle n'était pas la seule star dont la renommée éclipsait celle des autres membres de la distribution.
JIMMIE WALKER
Connu dans les années 70 pour: Bon temps
Comment il a eu le boulot: Être un succès sur le circuit de comédie en direct conduit à des apparitions régulières sur Le spectacle de Jack Paar, ce qui est arrivé grâce à ses bons amis Bette Midler, Steve Landesberg et David Brenner. En 1972, Le magazine Time l'avait appelé "le comédien de la décennie".
Quand le Maude retombées Bon temps a été créé, le spectacle était centré sur Esther Rolle et John Amos dans le rôle de Florida et James Evans, qui avaient du mal à payer les factures et à élever une famille à Chicago. Alors que l'émission couvrait les défis du travail à plusieurs emplois et de la sécurité de vos enfants dans les projets, le comédien Jimmie Walker, engagé pour jouer le frère aîné JJ, est devenu une star de l'évasion.
Alors que Rolle et Amos ont déploré le fait que les scénarios plus sérieux doivent passer au second plan, les producteurs ont profité de l'attrait de Walker pour lui donner de plus en plus de temps devant l'écran chaque semaine. Lorsque le réalisateur John Rich a proposé le slogan «Dyn-o-mite!», C'était de l'or pur. Malgré le scepticisme du producteur exécutif Norman Lear, il a insisté pour que JJ prononce cette phrase au moins une fois par épisode, ce qui est devenu un hit.
Jimmie Walker était intelligent; il savait saisir l'instant. Il faisait déjà autant de stand-up que son programme de tournage le lui permettait, employant une équipe de scénaristes composée de futures stars telles que Jay Leno et David Letterman. Il a même eu Leno une apparition sur Bon temps, avoir à convaincre les producteurs réticents de tenter le coup. Walker est resté avec le spectacle jusqu'à la fin, survivant à la fois à Amos et à Rolle. Il a été un acteur incontournable de la télévision dans les années 70 et 80, jouant les circuits du jeu et des talk-shows, diverses séries de Bataille des stars du réseauet comme toutes les autres étoiles du temps, Le bateau d'amour. Il est toujours debout, sans regrets, s’appuyant sur la décision, il y a bien des années, qui a fait de «Dyn-o-mite» une expression familière.
Avant “Dyn-o-mite”, cependant, vint une autre petite phrase accrocheuse: “Qui t'aime, bébé?” Celle-ci a été rendue célèbre par un mec blanc chauve qui a sucé une sucette alors qu'il résolvait des crimes dans les rues New York. C'était Kojak, joué à la perfection par l'acteur gréco-américain Telly Savalas.
TELLY SAVALAS
Connu dans les années 70 pour: Kojak
Comment il a eu le boulot: Une carrière de film florissante et beaucoup de charisme
Bien qu’il puisse ne pas sembler un choix évident pour une pin-up, en 1974, la couverture sans chemise de Telly Savalas Gens Ce magazine a changé le jeu du magazine en leur donnant son premier numéro qui a finalement été vendu à un million d'exemplaires dans les kiosques à journaux. Les femmes ont écrit à Gens en masse demandant à voir la moitié inférieure de la photo.
Savalas n’avait même pas commencé sa carrière d’acteur jusqu’à la fin de la trentaine. Il était dans l'original Cape Fear avec Robert Mitchum et Gregory Peck, a fait quatre films avec Burt Lancaster et, en 1965, a joué Pontius Pilate en La plus grande histoire jamais racontée, pour lequel il a dû se raser la tête. Il a gardé le look, car cela lui donnait plus de succès avec les femmes.
Savalas était un golfeur passionné et un joueur de poker de classe mondiale avec un diplôme en psychologie, mais c'était son rôle en tant que lieutenant sournois Theo Kojak qui l'avait fait connaître. La lumière attachée par un aimant qu'il a allumée sur sa voiture alors qu'il rejoignait une poursuite à grande vitesse est connue sous le nom de «lumière de Kojak» parmi la police. L'émission lui valut un Emmy en 1974. Kojak était un aimant pour les stars, dont beaucoup jouerait avec des policiers dans de futures émissions télévisées, telles que Daniel J. Travanti (Frank Furillo), Paul Michael Glaser (Starsky), Sharon Gless (Cagney), Jerry Orbach (Briscoe), Abe Vigoda (Poisson), Tige Andrews ( Capitaine Greer) et André Braugher (Frank Pembleton et Ray Holt).
D'autres invités de marque ont fait leur chemin sur Kojak que ce soit avant ou après avoir frappé fort, parmi lesquels James Woods, John Ritter, Harvey Keitel, Dabney Coleman, Robert Loggia, Sylvester Stallone, Richard Gere et Liberace. Richard Donner a même dirigé plusieurs épisodes, tout comme Savalas lui-même.
Le personnage de Kojak a transcendé le spectacle; même si vous ne regardiez pas, vous connaissiez la tête chauve, la sucette et le slogan. Savalas a même enregistré un album intitulé "Who Loves Ya, Baby?" Et, à l'apogée de sa renommée "Kojak", a présenté une émission de variété spéciale, chantant et dansant avec d'autres stars des années 70 telles que Barbara Eden et Cloris Leachman. Pourquoi? Parce que les émissions de variétés étaient grandes dans les années 70 et que peu d’entre elles étaient plus grandes que L'heure de la comédie Sonny & Cher.
SONNY & CHER
Connu dans les années 70 pour: L'heure de la comédie Sonny & Cher, Le spectacle Sonny & Cher
Comment ils ont eu le concert: Déjà un succès dans l'industrie de la musique, ils ont peaufiné leur numéro à Vegas, développant leurs faux personnages comme mari et femme impertinent. Cela a conduit à des concerts télévisés où ils ont été repérés hébergeant Le spectacle de Merv Griffin par Fred Silverman, dirigeant du réseau.
Sonny Bono et Cherilyn (Cher) Sarkisian ont débuté en tant que chanteurs bien avant de passer sur les écrans de télévision. Dans les années 60, ils ont travaillé pour le producteur Phil Spector en tant que back-up R & B, puis ont eu de grands succès au milieu des années 60 en tant que duo. Leur plus gros succès, "I Got You Babe", a été classé premier sur le Billboard Hot 100 en 1965 et a depuis été désigné comme l'un des plus grands duos de tous les temps Panneau d'affichage et Pierre roulante.
Leur passage à la télévision fait d'eux des stars encore plus grandes. Ils ont apporté les attitudes des années 70 et la mode d'abord L'heure de la comédie Sonny and Cher, qui a débuté en 1971 en tant que série estivale de remplacement et est revenu plus tard cette année-là en prime-time, finissant par marquer 15 nominations aux Emmy Awards et restant dans le Top 10 pendant quatre ans. Le spectacle était connu pour ses numéros musicaux, ses sketches récurrents comme «The Laundrette» avec Cher et Teri Garr, la séquence de Cher Vamp, ses tenues scandaleuses conçues par Bob Mackie et la performance de clôture hebdomadaire par les deux stars de «I Got You Babe». Leur fille Chastity (maintenant Chaz) a également fait de fréquentes apparitions, indiquant que le couple le plus échangiste des années 70 avait également une vie de famille solide.
Ils ne l’ont pas fait. Ils ont terminé le spectacle en 1974 lors de leur divorce et se sont séparés. L’émission de Bono n’a duré que six semaines, mais Cher a connu un vif succès, en présence de personnalités comme Bette Midler, Elton John et Flip Wilson. En 1976, ils sont revenus à la télévision Le spectacle Sonny & Cher. Ses stars se sont réconciliées devant la caméra avec une poignée de main, mais la relation avait été trop amère pour durer et, malgré de bonnes cotes d'écoute, l'émission n'a duré que deux saisons.
Ils ont chacun fait des choses plus grandes et meilleures. Cher est devenu un artiste à succès et un Oscar. Bono a été élu maire de Palm Springs puis est devenu membre du Congrès en 1995. Il est décédé des suites d'un accident de ski en 1998. La même année, Sonny & Cher a finalement obtenu son étoile sur le Walk of Fame à Hollywood, cimentant ainsi son héritage Télévision des années 70. Tandis que tout le monde se souvient de «I Got You Babe», la plupart des gens ne réalisent pas que Steve Martin était un écrivain de la série et qu'il apparaissait régulièrement, et il y avait un flot d'invités vedettes sur la liste. Parmi les visiteurs, Carol Burnett, Tony Curtis, The Jackson 5, Farrah Fawcett et un autre incontournable de la télévision des années 1970, Ricardo Montalban.
RICARDO MONTALBAN
Connu dans les années 70 pour: "Cuir corinthien lisse" et Île fantastique
Comment il a eu le boulot: Il avait été une idole de la matinée dans les films, puis était devenu un visage familier à la télévision, faisant des apparitions en tant que invité. The Man From U.N.C.L.E., Hawaii Five-O, Voici Lucy et un tour particulièrement mémorable Star Trek.
Maintenant le plus célèbre comme M. Roarke de Île fantastique et Khan de Star Trek et Star Trek II: La colère de KhanMontalban était omniprésent sur les téléviseurs des années 70 en tant que porte-parole commercial de la Chrysler Cordoba. Sa description du «cuir corinthien doux» était tellement mémorable, elle était parodiée sans fin, mais il voulait dire chaque mot; au sommet de sa Île fantastique célèbre, il conduisit un Cordoba sur mesure revêtu de cuir et dont il était réputé pour ses vertus.
Avant les écrans de télévision, il avait tourné des dizaines de films et était le premier acteur hispanique à faire la couverture de Magazine de la vie. Malgré les efforts des studios de cinéma pour le faire changer de nom (Ricky Martin étant l’un des choix préférés), il a gardé son vrai nom ainsi que sa citoyenneté mexicaine. En 1971, mécontent de la manière dont il a été invité à représenter les Mexicains à l'écran, il a contribué à la création d'un groupe de défense des droits pour les Latinos travaillant à la télévision et au cinéma, Nostros, et cofondé un an plus tard, le comité des minorités ethniques Screen Actors Guild.
Montalban était également connu pour son rôle dans deux des Planète des singes films, et a continué à apparaître dans les émissions de télévision et les films au cours des années 70 et 80. En 2002, Robert Rodriguez l’a engagé pour jouer le grand-père Valentin dans deux des Spy Kids films; son personnage a reçu un fauteuil roulant à propulsion par réaction, car Montalban avait subi une blessure à la colonne vertébrale qui l'empêchait de marcher.
Ses deux derniers rôles étaient sur des spectacles animés. Il a invité à la fois sur Family Guy et Père américain!, ce qui prouve que sa voix si distincte était encore vivante des décennies après son arrivée à Hollywood dans les années 1940. Trente ans plus tard, il était toujours indéniable et inoubliable.